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「繪畫，是自然的子孫，並與上帝相關。」──林布蘭‧凡‧萊茵十七世紀，荷蘭黃金時代繪畫的主要人物林布蘭，他的畫運用強烈對比的光影，營造出戲劇效果，為傳統肖像畫注入更深刻的情感表現。成名甚早的林布蘭，卻揮霍無度，潦倒半生。然而，命運的試煉，未曾打擊他對繪畫的執著，當時創作主流還是以聖經故事與神話為主，但在他筆下，人物栩栩如生，喜怒哀樂自然流露；而他肖像畫，更是奠定西方繪畫史上人物畫法的重要成就。林布蘭一生大起大落，戲劇化的曲折教人心驚。但他作品所傳達出的內在生命視野，卻敘述著完全不同的故事，見證一名急躁、心靈手巧的早熟年輕人如何蛻變成深思熟慮、有洞察力和思想縝密的男人。相較於林布蘭逼真寫實的畫法，本書插畫尼克‧希金斯則大膽採用較粗糙的筆觸、豐富的色彩來反映林布蘭的不羈，反差效果更彰顯林布蘭的獨特！

 書畫大家二居•二高一陳•關山月•黎雄才 經典名作書法•國畫•油畫•水彩•雕塑•版畫•漫畫 豐富圖片實景照片+手繪插圖由於特殊的地理位置和歷史環境，嶺南藝術兼容並蓄，獨具特色，近代又因「得風氣之先」，產生了一批聞名遐邇的美術大家，他們留下了大量經典的書畫名作。透過本書你將領略到：波瀾壯闊、極具創意性和前瞻性的嶺南書畫藝術發展史陳白沙、林良、謝蘭生、高劍父、陳樹人、關山月、黎雄才、潘鶴、李鐵夫、廖冰兄、黃新波等名家的經典之作嶺南美術折衷中外、融匯古今、革陳出新的鮮明特色實景照片與手繪圖相結合，生動直觀呈現嶺南美術獨具一格的風貌

拋下世俗，追尋原始生活 流浪的異鄉人╳極具爭議的天才畫家 〈我們從何處來？我們是誰？我們向何處去？〉 「我再也畫不出更好的，有同樣價值的畫了。」 若用一句話形容高更的藝術，那會是──「尋找心中的夢」。 身為與梵谷、塞尚並稱為後印象派三大巨匠，他追求的是帶著色彩和畫筆，遠離喧囂的人群，在藝術的天地中奮鬥，這幅畫是高更畢生創作的集大成者。 高更的藝術創作生涯充滿了冒險與傳奇。 藝術的獨特性展現在表現形式上，這種表現便是藝術家思想的呈現。 ▎〈布道後的幻象〉（Vision après le sermon） 藝術是一種抽象，人們是在面對自然而浮想聯翩時，從自然提取這種抽象的。 一群布列塔尼農婦在聽完布道之後，眼前出現了《聖經》中「雅各與天使摔跤」的幻象。西元一八八二年二月，高更踏上了阿旺橋的土地，高更及其追隨者們在阿旺橋的理念討論和繪畫實踐漸漸促成了 「綜合畫派」，他對主觀直覺和內心投射的強調，背景和對象中大量使用虛幻和神祕的元素，讓他披上了鮮明的 「象徵主義」特徵。 ▎〈畫向日葵的梵谷〉（Le Peintre de Tournesols） 兩顆巨星相撞──他是隨時可以爆發的火山，而我的內心也是翻騰的沸水。 高更在阿旺橋與他的追隨者們探討繪畫時，認識了梵谷，他們兩人都不追求空間的縱深感，在用色上也有某種程度上的相似之處，但當在藝術見解上出現糾紛，他們兩人便如同針尖對上了麥芒，互不妥協，在兩人的衝突中，甚至發生了「割耳事件」，自此兩人互無往來。 ▎〈死亡的幽靈在注視〉（Manao tupapau） 女孩俯臥在床上，勻稱健美的軀體長長地伸展著；她的臉向外側著，半露出一部分，表情驚恐，床腳邊，側坐著一個奇怪的人，形狀恐怖。 眼前的少女是如此純潔，如此天真，她眼神中的惶恐驚嚇卻又是多麼豐富！她彷彿看見了死者的靈魂，又好像是被靈魂所注視。這幅畫彷彿瞬間而永恆的電影鏡頭，兼具了劇本和音效：起伏的視平線和諧流淌，跳動的黃色和紫色以及微綠的閃光如同樂章中輕鬆的頓音。故事包含了黑夜與白晝，講述著活人靈魂與死人靈魂的銜接。 ▎〈你何時結婚〉（Quand te maries-tu） 高更彷彿一條涸澤之魚，在乾渴許久後被重新放歸大海，在大溪地的原始風情中盡情呼吸暢遊，屬於大溪地的他熱愛這裡原始淳樸的氣息。 西元一八九一年，經過近兩個月的航行，高更終於到達了天堂大溪地，旖旎的熱帶風光和純樸的生活讓高

堅守傳統╳融合現代 揚名世界的國畫大師 他，是天才型的繪畫大師，被譽為當代第一大畫家； 他，是中國書畫的第一把交椅，一生為國畫鞠躬盡瘁； 他，是將中國書畫引向世界的推手，踏出國門名震國際。 本書為您獻上張大千書畫般的藝術人生！ ▎四處遊學開拓眼界，傳奇經歷難再仿 ──超強的感知、感悟能力與記憶，每下一筆皆如有神 出身書香世家的張大千曾拜書法大家曾熙、李瑞清為師，母親與兄長的耳濡目染為他奠定喜愛繪畫的基礎。他遊學日本探究日本畫源泉吸收長處，他曾遭遇土匪封為百日師爺，也曾為情所困突發奇想出家為僧，見多識廣讓他的心靈昇華，成為雲間的留白、松枝的遒勁。 ▎另闢蹊徑行銷自我，出售仿畫打響知名度 ──我是假的，我肯定是假得最好的！ 張大千臨摹石濤維妙維肖，宛若石濤再世。他經常仿製石濤山水畫出售，甚至騙過專業收藏家；他豪不避諱在眾人面前拆穿大家認為的「真跡」是他的仿畫，卻因此廣結名流展現其高超的交際手腕。 ▎亂世遠赴敦煌臨摹壁畫，中國繪畫的「文藝復興」 ──感受巧奪天工之美，只能踩著黃沙惡土與高築的債臺上去 他醉心於石窟的壁畫中，沉浸在橫舉琵琶的滿壁飛仙與堆積千年的藝術歷程，以俗世之筆為莫高窟進行嚴謹的編號，為敦煌石窟壁畫的保存做出卓越的貢獻，修復壁畫、缺漏考訂、歷代畫派源流……拿著燈微弱火反覆觀摩許久才能畫上一筆，緩慢累積的每一筆畫，都為「敦煌學」奠定了扎實的基礎。 ▎鑑賞的神手、字畫的法官 ──洞察真偽悉知鑑技巧「見、識、知」 愛畫成痴的他練就了一身鑑別真偽的能力，從紙張出產年分、墨水產地、毛筆掌故，不僅在自己使用時講究，還是要鑑別真偽，每一根毛邊皆逃不出他的法眼。 ▎建立國際地位，會見畢卡索 ──棲身海外各國舉辦畫展，收服世界人心 迫不得已旅居海外的張大千仍持著中國文人的生活，世人驚嘆他深厚的藝術和超人的天才慧敏，海外畫展不斷，聲譽名揚世界，他仍在探尋藝術的無窮境界，使傳統國畫與東方藝術躋身國際。 巴黎羅浮宮與畢卡索意外相會…… 東方宗師與西方泰斗之間看似不同卻有許多像似之處， 舊技新法融會貫通，無論地界，各領風騷！ ★本書特色：張大千結合中國傳統技法與西方現代的繪畫技巧，被稱之為「當今世界最負盛譽的國畫大師」，同時也是匯集詩書畫三者並蓄的佼佼者，即便揚名國際，仍不斷提升自我，突破晚年眼疾的限制，開創獨有的「潑墨技法」，為中國藝術史再畫下一筆濃墨，具有傳奇性充滿故事色彩的一

印象派創始人之一╳最具代表性的大師 「印象」一詞即源自其名作〈印象・日出〉 他掌握了所有關於「印象」的元素， 讓沒有印象派概念的人也能從中看出他所想表達的， 有人把畫面寫成了詩歌，而莫內，把詩歌繪成了畫── ▎〈綠衣女人〉（Camille） ──整幅畫充分表現了莫內大膽的構圖和創新的姿態， 無論是色彩對比的明亮還是構圖上的意外都使這幅畫多了幾分隨意。 卡蜜兒曼妙的身姿彷彿剛從畫外走進來，回眸一顰，盡顯典雅的貴婦氣質。雖然整幅畫的比例略顯不協調，卡蜜兒的臉顯得有點小，但是莫內刻意突出臉部的色彩，讓整幅畫的焦點依舊落在了這張臉上。不僅如此，厚重且有質感的衣服、微抬起來的手和半轉過來的頭，都讓卡蜜兒顯得心事重重。這種神態上的成功刻畫讓整幅畫都栩栩如生地顯示出了卡蜜兒的動人形象。 ◎對於〈綠衣女人〉，自然主義文學代表人物左拉給予了高度讚賞， 此時的莫內已是結合了理想主義和現實主義的年輕一代的領頭者了。 ▎〈花園中的女人〉（Women in the Garden） ──透過新的色彩、新的用筆、新的構圖， 莫內衝破了其他畫家對他的影響，開創了自己的風格與流派。 莫內在作畫一開始時採用大號的筆以迅速的筆觸來作畫，把顏色塗得異常厚，從而企圖製造光線的漸變。而且在畫面的突出部分用以輕快的平色塊，並在周圍輔以厚重的暗色塊來襯托。同時，厚重的色塊把整幅畫分成了受光和背光兩部分，讓畫面之外彷彿是有光線照射一樣。這幅畫稱得上是莫內第一幅成功的戶外對光作品。由於沒有了外人的干擾，完全是自己的風格與探尋，這讓莫內對光線的研究興趣更多了幾分。 ◎他不再是那個臨摹別人畫風的年輕人了， 現在的莫內是乘風飛上了藝術之巔的大師。 ▎〈印象・日出〉（Impression, Sunrise） ──整幅畫沒有任何輪廓的概念，全是由細小筆觸點出來的， 除了莫內，從未有人能夠如此表現霧氣交融的景象。 紅日冉冉升起，橙紅色照樣映紅了上半部的天空。海水映射著陽光，呈現出橙黃色，在近處和依舊昏暗的海邊組成淡紫色。色彩在天空交替、滲透、相互糾纏；厚薄不一的色塊將水的波浪表現得淋漓盡致，遠看甚是有波光粼粼的質感。水波上面蕩漾的是三個小點一樣的船，此時的船在晨曦和霧色中已然分辨不出輪廓，只能憑經驗猜出那是遠方行駛的小船。船下的波光微動，彷彿是在航行一樣。兩岸若隱若現的建築物和山的虛影更是為畫面增添了活力。 ◎不重視輪廓而看重光

風靡日本至今百餘年，超越時空、歷久彌新即便你沒聽過這個名字，也一定看過他的設計！從令人印象深刻的大眼美人、到封面、插畫，圖案、廣告刊物與生活雜貨設計台灣竹久夢二研究的第一人，以深入淺出的文字穿插百件作品，集結台日之力，呈現這位永垂不朽的藝術奇才最完整的創作風貌！ 「所謂的藝術家已經很多了。我認為世間需要的是能以人的身分，理解人的悲傷的畫家。」——竹久夢二浪漫復古、唯美摩登，令人目不暇給的設計靈感成就「夢二式」美學的創作人生與藝術精神竹久夢二（Takehisa Yumeji，1884—1934）出生於日本岡山縣，本名竹久茂次郎。20世紀初期的畫家、詩人兼平面設計家，以「夢二式美人」風靡一時，有「大正浪漫代言人」之稱，也是啟發日本少女漫畫的先驅者。此外亦涉足插畫、裝幀、圖案設計、詩文等領域，在各方面都展現令人驚豔的才華。他的一生橫跨明治、大正、昭和三代，此時日本廣納西洋文化，並紛紛體現在建築、時尚、飲食習慣之上，形成和洋文化薈萃的「大正浪漫」風潮。受到此般風氣的薰陶，夢二以獨樹一格的畫風與感性風靡一時，在短短三十年的創作生涯中留下許多歷久彌新的作品，不僅深深影響日本近代藝術設計的發展，也為人們生活帶來美的滋潤，至今依然伴隨在你我的身邊，永垂不朽。相較於其它明治、大正時期的知名畫家如今基本上都不再受到關注，一個不屬於任何流派的野生畫家卻依然欣欣向榮，毫無褪色的跡象，實屬罕見。在日本相關人士與台灣藏家的大力協助之下，本書將透過夢二戲劇性的一生與才華滿溢的多元作品，帶領讀者認識這位傳奇藝術先驅，以及他得以超越時空與國界，令人愛不釋手的迷人魅力。本書特色★台灣本土第一本竹久夢二專書★日本金澤湯涌夢二館館長、夢二研究會代表人、夢二孫女專序推薦★收錄近200張繪畫、書籍、雜誌、樂譜、插圖設計等珍貴藏品及照片★以夢二的插畫自傳小說《出帆》為主軸呈現的圖文式年表★日本各地尋訪夢二景點導覽地圖書籍裝幀特色★書衣選用大亞香草紙，紙質的模造手感與溫潤內斂的色彩，重現浪漫復古風格★內文採用日標B7內頁專用紙，顯色極佳、輕薄但不透印，為日本書籍內頁的愛用紙款各界一致浪漫推薦 （依姓名筆劃排序）Ayano Ku　收藏家朱秋而　台大日文系教授李志銘　作家吳卡密　舊香居店主林水福　日本文學研究家／作家徐興慶　中國文化大學校長梁旅珠　旅遊作家陳耀昌　台灣史小說家／台大醫師／教授傅月庵　資深編輯

女性肖像畫大師╳印象派發展史上領導者之一 ║陽光、生命、活力，雷諾瓦筆下三大元素║ 若說印象派為西方美術史注入了鮮活的力量， 雷諾瓦則替印象派增添了甜美的氣息── ►「痛苦會過去，但美會留下」 對於雷諾瓦來說，生活中醜陋的東西已經太多，正因如此，他認為一幅畫應該是可愛、快樂、美麗的。他以溫柔而明亮的筆觸，在畫布上綻放出尋常事物的美好。就連晚年深受風溼病折磨，必須將畫筆綁在手上時，他的畫作仍溫暖明快。 ►「如果沒有畫出讓人想要伸手去捏一把的感覺，那就不算完成。」 雷諾瓦的女性肖像畫，滿溢著清新、健康的女性之美。他善於描繪人物眉眼間或天真未泯，或風韻動人的形象，並喜歡把肌膚畫得如珠光般柔亮、白裡透紅，栩栩如生。 ▎〈煎餅磨坊的舞會〉 這幅畫畫的是巴黎一個熱鬧而歡快的露天咖啡館。詩人、音樂家、畫家、作家、記者以及紳士淑女，他們有的飲酒暢談，有的翩翩起舞。每個人物的形態與色彩都充滿「生之歡樂」的節奏。整個畫面充滿著歡快和青春的笑語喜悅，幸福瀰漫在光、色的交輝中。 ▎〈楓丹白露景色〉 創作於1875年，構圖十分簡單，銀白色的蒼茫天空與灰綠色的空曠草地，使畫面顯得十分空靈，和諧的色調，微妙的用光，柔和的構圖，充滿了愛之讚歌的主題，更使畫面充滿了溫馨與安謐的田園情調。 ▎〈彈鋼琴的少女〉 創作於1892年，畫中兩位女孩認真閱讀擺放在鋼琴上的琴譜，一個坐著抬頭仰視；一個站在旁邊一手撐在椅子上，一隻手臂放在鋼琴上。構圖精美，色彩極為柔和優美，線條順暢，整個畫面充滿一種甜美純真的氛圍。 ▎〈包廂〉 畫中之人是雷諾瓦的弟弟及演員妮妮，雷諾瓦主要突出了妮妮的形象。他選取了三個他不經常使用的顏色組合：玫瑰、黑、白，並以細小的筆觸勾勒出那天晚上妮妮穿著的黑條紋長裙，使得衣服的黑與膚色的白形成黑白相間的效果，產生了一種豐富、渾厚的層次畫面頓時增加了強烈的視覺美感。 ★本書特色：雷諾瓦是藝術史上很特別的一位畫家，他的畫始終帶著溫暖，讓觀賞者能發自內心感到愉快。本書從雷諾瓦的出生開始，以流暢的筆調帶領讀者一探他的友情、愛情及生命歷程，從而更加認識這位帶來幸福的畫家。

現代繪畫之父╳「後印象派三傑」中評價最高者 〈玩紙牌的人〉曾創下藝術品出售史上最高紀錄 他是繪畫革命者──保羅・塞尚 線是不存在的，明暗也不存在，只存在色彩之間的對比。 物象的體積是從色調準確的相互關係中表現出來。 ◎20世紀最偉大的藝術家畢卡索曾說：「塞尚是我唯一的老師。」 【後印象主義時代最傑出的作品】 ▎「人類靜物」──〈玩紙牌的人〉（The Card Players） 透過對形狀的細心分析和對各種形式要素的微妙平衡， 使得平凡的題材獲得崇高和莊嚴之美。 〈玩紙牌的人〉系列作品被認為啟發了繪畫的立體主義，畫作簡約而富有幾何性。塞尚一向重視繪畫的形式美，畫上的人物和桌子皆由一片片色彩組成，色調千變萬化。塞尚主張畫出對象的清晰感，反對印象派中忽視素描的做法。為了畫面的形式結構，他不惜犧牲真實性，經常對客觀造型有意歪曲。比如塞尚已不太在意人體解剖上的精確性，不顧比例的延長了模特兒的手臂。 【用一顆蘋果征服巴黎】 ▎「脫節的透視效果」──〈蘋果籃〉（The Basket of Apples） 對於塞尚來說，靜物的魅力顯然在於它所涉及的主題， 就像風景或被畫者一樣，是可以刻畫和能夠掌握的。 塞尚仔細地安排了傾斜的蘋果籃子和酒瓶，把另外一些蘋果隨意地散落在桌布形成的山峰之間，將盛有糕點的盤子放在桌子後部，垂直看也是桌子的一個頂點。在做完這些之後，他只是看個不停，一直看到所有這些要素相互之間開始形成某種關係為止，這些關係就是最後的繪畫基礎。直到今日，當我們看這幅畫的時候，仍然難以用語言來表達這一切微妙的東西。 我們看到的塞尚的作品中，最常出現的靜物就是蘋果，這與他的摯友左拉有不小關係。童年時的左拉曾用一籃蘋果感謝塞尚對他的保護，兩人的友誼自此開始。之後，塞尚就常以蘋果為繪畫主題，一畫再畫，他期望用這個最簡單的題材，實踐自己的風格創新，他甚至想用一顆蘋果征服巴黎。 ◎塞尚與左拉 ──過去他曾是疲憊時的支柱，現在他是「塞尚」構成的一部分 塞尚一生中少不了一個人的身影，那就是同樣在歷史上留下濃厚一筆的法國現實主義作家埃米爾・左拉。 左拉無法理解老友的繪畫，他看不到塞尚作品的真諦，卻是最早感受到塞尚創造力的人，他在塞尚憂鬱時熱情的鼓勵他，甚至近乎苛責的提醒他。他們從年少時相約一起追逐夢想，到中年漸行漸遠，最終形同陌路。 1886年，左拉按照慣例把自己的新小說《傑作》寄給塞尚。這部小

表現主義繪畫的先驅╳版畫複製大師 他筆下的人物猶如舞臺劇中的角色， 他是現代藝術大師──愛德華・孟克 「病魔、瘋狂與死亡是圍繞我搖籃的天使，並持續伴隨我一生。」 當提起「愛德華・孟克」這個名字的時候，人們或許會有短暫的猶疑； 如果加一句「〈吶喊〉的作者」，那麼大部分人會露出恍然大悟的神情； 如果將〈吶喊〉擺在人們眼前，那麼所有人都會說：「哦，是這幅畫！」 是的，這是任何一部合格的美術史一定會提到的作品。 不過，在欣賞這幅畫之前，我們或許該知道 ──它不是突然之間產生的靈感，而是個人經歷所累積的結果⋯⋯ ▎〈死去的母親〉（The Dead Mother） 母親那骷髏一樣的頭深陷在枕頭裡，站在母親靈床前的孩子，睜著雙眼，孤獨地看著周圍的世界，那彷彿是他自己的寫照。 1868年聖誕節過後，5歲的孟克失去了母親。他正處在似懂非懂的年紀，親眼看著母親一天天衰弱，最終躺在床上不再應聲，看著親友往返忙碌於喪事，幾乎忽略了他們幾個孩子，他感到惶恐、無助。孟克在畫中無數次地反映過死亡的主題，這與童年留下的印象是分不開的。 ▎〈病童〉（The sick child） 紅髮少女坐在床上，絕望地望向身邊的母親。少女的母親握著少女的手，悲哀地低下頭去。他希望透過人物的動勢表達無法抑制的悲苦和絕望。 〈病童〉創作於1885年至1886年之間，第一次展出是在1886年的秋季畫展。這幅畫對孟克意義重大。在藝術上，它衝破了自然主義的範圍，帶著印象派的影響，開啟了他今後表現主義的創作；在生活上，它代表著孟克對母親、姐姐以及他的童年最深切、最完整的回憶。 ▎〈分離〉（Separation） 他表情痛苦，一隻手捂著胸口──心被奪走了，愛情卻無法挽回。女人的頭髮一直延伸到男人頭頂上方，象徵著雙方關係的糾結。 經歷了初次的愛情悲劇，孟克藝術人生的一條重要主題開始成型，那就是理解和表達男人、女人的存在，展示他們的愛、他們的痛苦、他們的絕望，他們被造物主詛咒，幾千年來結成的無盡的枷鎖。 ▎〈吸血鬼〉（Vampire） 男人埋頭靠在女人懷裡，似乎在尋求愛情的安慰。女人俯身吻著男人的脖頸，長長的紅髮垂下，覆蓋著男人的頭部和身體。這一幕，看似情侶在接吻，但又像是吸血鬼在吸食人血。 在孟克表現男女關係的作品中，絕少涉及愛情的甜蜜、浪漫，而往往是痛苦糾纏，無盡無休。而且，孟克筆下的男女關係中，往往女人是強大的一方，男人是弱

「真山水之川谷，遠望以取其勢，近看以取其質。」 ―北宋 郭熙畫，是一首無聲的詩，一幅畫裡，究竟蘊含多少故事？本書從不同的研究視角，帶領讀者們一同來理解圖像被製作、被觀看的脈絡。「屋中有畫，等於懸掛了一個思想。」―雷諾茲本書將以藝術史中的「名作」─自然史的「科學圖繪」或稱「博物畫」(natural history)、時尚插畫(fashion)及當代的「數位影像」(digital)等為討論對象，探討創作者如何將抽象的思維進行具象的呈現。這些圖像不僅蘊藏著許多個人價值、社會氛圍與時代脈絡的線索，更是討論不同領域及學科對事物如何被觀看的介入。因此，透過發掘的過程，我們除了可以掌握圖像在「藝術史」、「自然史」、「時尚史」及「科技史」中所扮演的重要角色，更可以了解並學習如何藉由圖像來進行敘事或傳達理念。

林布蘭：「當然，你也可以說，我該實際些，畫他們要我畫的。但我告訴你一個秘密：我試了，很努力地試了，我做不到。就是做不到。」 荷蘭黃金時代繪畫三傑、史上最偉大的荷蘭人之一， 大膽創新的繪畫風格×爭議不斷的倔強天才 ――一生大起大落、風雨不斷的名畫家林布蘭！ 荷蘭黃金時代（Dutch Golden Age），指的是約在西元17世紀時的荷蘭。當時的貿易、科學與藝術等方面獲得了全世界的讚揚，被視為荷蘭的巔峰時期。 在藝術方面，當時的荷蘭繪畫數量極多。據估計，在1640年之後的20年內，荷蘭畫家繪製了大約130萬幅作品。而在這漫漫的繪畫洪流中，被後世尊為名家的畫家不計其數，如：楊．維梅爾（Jan Vermeer）、弗蘭斯．哈爾斯（Frans Hals）……璀璨的藝術之星林布蘭．范萊因（Rembrandt van Rijn）也在其中。 【驚動全阿姆斯特丹的〈解剖學課〉】 26歲的林布蘭受阿姆斯特丹外科醫生行會之託，畫出團體肖像〈尼古拉斯．杜爾博士的解剖學課〉。該作不但讓他一舉成名，為他帶來源源不絕的客戶，更讓他從磨坊主的兒子搖身一變，成為當時最受上流人士歡迎的畫家。 【與貴族之女莎斯姬亞的愛情】 1634年，林布蘭迎娶莎斯姬亞為妻。生活的優渥富足帶給他取之不竭的靈感，對他來說，莎斯姬亞的存在不只是一位妻子，更是他情感的愛神、創作的謬思。至今，人們仍能在許多林布蘭繪製的仕女肖像畫中，看到莎斯姬亞高貴美麗的倩影。 【〈夜巡〉為繪畫生涯帶來的永夜】 隨著林布蘭的名氣水漲船高，對於他作畫時的恣意妄為、狂放不羈，人們的不滿日益累積，最終在〈夜巡〉問世後爆發。 林布蘭一改以往肖像畫中人物按照尊卑順序排列的原則，另闢蹊徑做出舞台化的效果。〈夜巡〉的構圖無疑相當大膽，卻也引發了林布蘭繪畫生涯的危機…… 【在痛苦中追求精神安寧的晚年】 晚年的林布蘭在貧病交迫中度過，此時的他早已被荷蘭人遺忘，然而他卻不曾想過要放棄繪畫。大量的宗教版畫，象徵著信仰帶來的慰藉；而眾多的自畫像，也揭示了他晚年的愁苦困頓。 本書特色： 本書主要介紹藝術家林布蘭的一生，除了介紹藝術家的生平及重要作品外，更有對其作品藝術性的詮釋及理解。作者以平易近人的筆調書寫，帶領讀者走近大師，走近藝術，以豐富現代人的視野及心靈。

烏克蘭現實主義畫家，作品帶有濃厚民族主義色彩 巡迴展覽畫派代表人物，主張藝術應為普羅大眾服務 蘇俄肖像畫第一人，從王公貴族涉獵至平民百姓 ――伊利亞．葉菲莫維奇．列賓 列賓一生畫過的肖像畫不計其數， 俄國公主Tenisheva、大文豪列夫．托爾斯泰都曾是他筆下作品， 沙皇亞歷山大二世之子Vladimir Alexandrovich對他更是崇拜， 兩人初次相識時，Vladimir一眼便相中了當時仍是草圖的〈伏爾加河上的縴夫〉； 從皇室成員到軍官，從知名歌手到神職人員，從文學家到評論家， 他為同時代的名人製作了一系列肖像畫，至今仍在藝術長廊上熠熠生輝。 從城鎮走到鄉間，列賓拜訪了當地農夫，深刻體認到封建制度的腐敗， 他將這份情感寄託於畫筆上，創造了無數歌頌革命與抗爭的作品， 又以歷史為題材，成就了〈伊凡雷帝殺子〉等經典畫作。 【現實主義】 ▍〈伊凡雷帝殺子〉（Ivan the Terrible Killing His Son） ――對專制皇權表達無聲的抗議 伊戈爾．格拉巴爾：「只有列賓這樣的勇士才敢以這種主題作畫，他在和繪畫進行的力量懸殊的較量中，取得了偉大的勝利。」 伊凡雷帝是俄國歷史上一位有所作為的沙皇，他進行了一系列鞏固中央集權、削弱封建貴族勢力的改革，卻遭到了貴族的牴觸，於是利用他生性脆弱的二兒子來反對他。列賓透過此畫作為對當時亞歷山大二世被刺殺的流血事件的直接回答，欲以自己的藝術展現繪畫背後的事件，表達對沙皇帝制的憎惡。 ▍〈札波羅結哥薩克致土耳其蘇丹的回信〉（Reply of the Zaporozhian Cossacks） ――透過團結一致的力量期盼沒有奴役和剝削的生活 在這幅畫中，每個人的形象都有獨特的個性，但是聚在一起之後他們又是一個和諧的整體。這些形象散發著札波羅結人的勇敢和無畏，他們的眼睛裡閃耀著熱愛祖國、民族自強的光輝。 列賓為這幅畫的創作做了很久的準備，他了解並研究了札波羅結人的史料，遊歷了札波羅結人生活過的地方。但是列賓也沒有陷入民族主義的泥淖，他從每個民族身上都能發現美好和出眾之處，並不帶有任何種族偏見。 【巡迴展覽畫派】 ▍什麼是「巡迴展覽畫派」？ Peredvizhniki，西元1820至1880年代俄國著名的繪畫流派。提倡面對現實，主張藝術要有思想性，認為藝術是鼓舞人心、表達社會理想的工具。該流派的繪畫不但諷刺俄國統治階級，表現城鄉

一本圖像小說，濃縮一個真實人生！它們很棒，不讀可惜！作者郭書瑄化身說書人，為台灣讀者介紹十本重量級的經典圖像小說。圖像小說跨越藝術與文學兩種領域，是圖文並茂的真實演示，是圖繪與文字同臺匯演的雙重閱讀經驗。這是一本「介紹其他著作」的著作，主角是現代漫畫產物中的特殊類型：「圖像小說」（graphic novel）。作者以紀實漫畫與類紀實漫畫為範疇，優先選取台灣已有翻譯本的作品，依序介紹：《與神的契約》 、《當風吹來的時候》、《鼠族》、《在沒有雙塔的陰影下》、《茉莉人生》、《巴勒斯坦》、《歡樂之家》、《生命很美好，只要你堅強》、《癲癇》及《吉米．科瑞根：地球上最聰明的小子》等十部著作。在圖文共呈的並時閱讀體驗中，圖像小說作者透過平面紙本，將人類的共同生命經驗以斑斕想像，躍出紙幅的力度，刻畫與描寫成遠較許多動畫、特效炫技更令人動容的故事。透過本書，讀者或能在紛雜的科技資訊洪流裡，找到一方得以與之共鳴、對望，獲致理解的心靈寓所。【本書由財團法人國家文化藝術基金會贊助出版】

∥ 張大千的生活與藝術 ∥—— 在筆池墨海中橫掃千軍，在畫布上揮灑生命激情，在生活中從不停止對美的追求—— 藝術巨擘張大千，是跨世紀的文化明星，是國際藝壇注目的焦點。 ◢徐悲鴻讚嘆：五百年來一大千！◣ ◢臺靜農推崇：他，為藝術立心！◣ ◢董橋：他的一生故事比誰都多。◣ ☆ 作家—— 董 橋： 歷來寫張大千的書很多，但寫得好的很少。 這本書寫得很好看！寫得真切，寫得紮實。 我羨慕馮幼衡有緣在摩耶精舍給張大千做事。 &nb

「現在，我也懂得看畫了！」擁有30年資歷的故宮書畫研究員，打破中國畫就是山水畫的刻板印象，用簡單、有趣的方式，帶你輕鬆看懂千古名畫，解開畫中不為人知的祕密！豆瓣超高評分8.9分，廣大網友一致鑑賞好評：「藝術其實沒有那麼深奧，原來中國畫這麼有趣！」「這裡的每一幅畫，我都與他們親密接觸過。」－－故宫博物院資深書畫研究館員　余輝在故宮工作，與各朝代畫卷朝夕相處了30年的余輝教授，發現來參觀故宮的遊客難免會遇到這種情況：在看畫時，不知道從哪裡開始看起，只能呆呆地讀著簡介、對照畫卷，看完了也似懂非懂……為了能讓大家看懂中國畫究竟在畫什麼，作者希望用通俗易懂的解說方式，帶領大家探索畫中的每一個神祕細節，看到中國名畫豐富多彩的一面：‧北宋汴京一日遊！原來外送員在宋朝就已經有了，〈清明上河圖〉裡就看得到？‧清心寡欲的李煜為什麼要偷偷派畫家去韓熙載家裡，畫下他在家裡開Party，夜夜笙歌的樣子？（見封面〈韓熙載夜宴圖〉）‧趙孟頫愛不釋手、乾隆珍愛收藏的鎮國之寶〈五牛圖〉，為什麼韓滉要畫這五頭可愛的大牛？‧南唐中主李璟和弟弟們閒暇下棋的場景被周文矩畫成了〈重屏會棋圖〉，他們對弈的棋盤裡，卻巧妙隱藏了宮鬥玄機？‧顧愷之在〈女史箴圖〉裡畫出美女們坐姿端莊、對鏡梳妝的模樣，該不會這就是歷史上最悠久的女子圖鑑？‧乾隆心中TOP1，瘋狂蓋章甚至提了五十六首讚美詩的〈富春山居圖〉，為什麼會被分割？看畫其實沒有這麼複雜，只要仔細觀察，便能看見民間的熱鬧生活，欣賞壯闊的山川景色，發現在文字背後活生生的歷史，滿足你對古代生活的所有好奇心！【本書特色】 內容專業性：作者具有30年讀畫的資深經歷，有中國國家文物鑑定委員會委員、故宮博物院書畫研究館員、浙江大學博士生導師之身分，底蘊深厚。 內容豐富有趣：用簡單直白、通俗易懂的言語，搭配200多張細節展示、局部放大的清晰圖片，寫出滿滿的知識與不為人知的故事，讓中國畫不再冷冰冰！ 揭開古畫謎案：讀畫並不局限於畫作本身，而是深入探討中國古代的藝術、經濟、文化、宮廷等多個面向，全面理解中國畫的深層意涵，不放過任何一個線索。【讀者欣賞推薦】 原本就挺喜歡逛故宮的，看完這本書之後，找機會再去了一次，腦子裡都是余輝教授所說的，現在我也懂得看畫了！ 雖然不懂畫，但讀了余輝教授的通俗解說，也能沉浸在中國藝術史的美與薰陶

概念運作一直是德勒茲思想重之又重的主課題。德勒茲的外部理論，主訴求就在於擺脫西歐哲學開拓內在思維的傳統，實驗一種意識之外的理論方式。本書所研究的對象《培根：感官感覺邏輯》，堪稱是德勒茲外部理論一系列發展的巔峰之作。從《培根：感官感覺邏輯》的概念創制方式及其網絡，考查這個繪畫理論背後的方針，就是本研究的重心。這樣的考查，構成本書十五章的內容，依序為影像問題性、繪畫、運動、不可辨識的區域、共存、感官感覺、歇斯底里、無器官身體、力量、作品觀念、減法、圖表、類比、作品認識論與色彩社會學等。

★榮獲第82梯次 好書大家讀 優良少年兒童讀物 ★文藝復興只有三傑？談到德國文藝復興，你不能不知道杜勒！ ★美國總統國家與社會貢獻獎獲獎人，以史家之觀點，小說之筆法，帶您深入故事現場。 ★55幅精選作品，引領您進入藝術家的世界。 【談到德國文藝復興，你不能不知道杜勒】 杜勒是將文藝復興思想帶入德國的藝術家，也是…… 世界上第一位身兼出版家的插畫家、第一位為捍衛智慧財產權走進法庭的藝術家、第一位將版畫藝術引進皇家慶典的藝術家…… 文藝復興不只發生於義大利，它可是全歐洲的盛會！本書將帶您認識與達文西齊名，將文藝復興思想帶回德國發揚光大的偉大藝術家——杜勒。 杜勒出生於金匠家庭，十三歲時無師自通，以銀針素描畫出第一幅自畫像，技術堪與達文西、林布蘭並列。他將姓名開頭的兩個字母A與D設計成特殊的符號當作簽名式使用；面對自己的作品遭人複製修改，杜勒起而捍衛自己的「版權」，並且訴諸法庭，成為史上第一個版權訴訟案，最後不但勝訴還獲得滿堂喝采。反映了早在幾百年前的杜勒已有商標與版權的概念。 杜勒同時還是史上第一位身兼出版家的插畫家，1498年出版《啟示錄》插圖本。從編輯、印刷、裝幀、銷售，杜勒一手包辦，展現了其無人能望其項背的精湛手藝。杜勒前衛的思想與實踐力，讓藝術有了開創性的發展。 關於杜勒，還有更多的魅力，趕緊翻開本書，一起探尋他的斜槓人生！ ●《十三歲時的自畫像》——天才型藝術家，年僅十三歲的杜勒，無師自通，對著鏡子，畫出第一幅以銀針素繪製的自畫像。 ●《童貞聖母與蜻蜓》——杜勒將自己的簽名式當商標來設計，在《童貞聖母與蜻蜓》一作中首次使用大寫A與小寫d設計而成的簽名式。 ●《憂鬱I》——杜勒除了是藝術家、思想家，還是個數學家？美國暢銷小說家丹．布朗《失落的符號》中提及杜勒的畫作《憂鬱I》，畫中真的有4X4的方陣！方陣中的數字存在著什麼奧祕？ ●《祈禱中的雙手》——舉世聞名的這雙手究竟是誰的手？杜勒將每一個關節、每一條筋絡、皮膚上的每一絲褶皺都如實勾勒，連指甲縫

《繪畫獨立 不是宣言的宣言》是一本以對話的方式，探討與說明繪畫為什麼必須獨立於當代藝術之外，確認繪畫自身地位的專書。發展僅僅一個多世紀的當代藝術，卻在今日將發展上百年甚至上千年的繪畫囊括在其領域之內。這不只造成了畫家在創作意義上的價值與標準的錯亂，甚至喪失自身定位，而被導引到與其他類別的創作者一同競逐那虛幻的哲學論辯，把言說當成意義的基礎，而非實踐中來建構自身價值。本書的書寫方式，是以一群藝術創作者、畫家在網路上的群組談話為形式所寫成，討論過程中逐漸拆解當代藝術對於繪畫的種種箝制和扭曲，兩者其實應劃分而各自獨立，如同其他藝術領域一樣，各自紛飛，建立自己的天地，而非留在當代藝術中自我否定。

高一峰1915年出生於山西省徐溝縣，幼年時即好繪畫，有「小畫家」的美譽，成成中學就讀期間美術成績斐然。後進入京華藝專就讀，在學期間揣摩齊白石繪畫筆法，奠定日後創作主調。1943年與張素蓉女士成婚，婚後兩人穿越內蒙古的鄂爾多斯草原，旅行長達三個月，當時的高一峰以畫筆，速寫大漠遼闊風光，留下許多作品。這次體驗，成為日後長期創作的靈感泉源。高一峰於1950年輾轉來到臺灣。初期生計艱難，在偶然機緣下，於1954年被推薦前往臺中市立中學擔任美術教師。此時期高一峰在創作上逐漸形成筆法簡樸的個人風格，作品數量大增。1956年暑假，高一峰在臺灣省立臺中圖書館舉行生平首次個展，展出內容包括大漠西旅的追憶、臺灣鄉間野趣等；展覽引起廣大迴響，初試啼聲便聲譽鵲起。1962年他應聘為國立臺灣藝術專科學校美術科教師，這是他來臺以後最安定的一段時期。高一峰一生顛簸卻忠於藝術，他在三十八歲時左眼已近失明，但仍不放棄對藝術的熱愛，童年時期對「畫家」頭銜的夢想，支撐著他將腦海裡的所見所聞一一入畫，忠實於自我生命的所見所聞、所感所受，然後再提升到藝術的高度。隨著時間的推移與洗鍊，那悲苦的生命、簡拙的筆法，以及有關中國西北大漠的荒野回憶，交織著對臺灣生活鄉情野趣的描寫，從高一峰畫中所見奔騰縱橫的駿馬、任重赴遠的駱駝，已然成為臺灣水墨畫壇重要的資產，也記錄著一代歷史交替中，悲劇心靈的真實寫照。高一峰不再只是流傳於學生、朋友口中的一則傳奇，而是臺灣水墨畫壇當中，扎實深沉、又殊異孤寂的存在。